Pat Metheny lança From This Place em 2020, energia e magia musical

Pat Metheny lança “From This Place”

Disponível no You Tube, Spotify, você pode curtir este trabalho que vem com a marca de Metheny, harmonia e solos, arranjos e emoção, tudo sintonizado com o “bit” e a linha Metheny.

Confesso que senti saudades de Lyle Mays ao ouvir “From This Place”

From This Place

O novo disco conta com dez composições de Metheny.

Participam do disco o baterista Antonio Sanchez, a baixista malaia / australiana Linda May Han Oh, e o pianista britânico Gwilym Simcock, bem como o Hollywood Studio Symphony, dirigido por Joel McNeely. Meshell Ndegeocello (vocais), Gregoire Maret (gaita) e Luis Conte (percussão) são convidados especiais.

É o primeiro álbum de material novo de Metheny desde o Kin de 2014.

E Metheny fala em seu site sobre o From This Place.

From This Place é um dos discos que eu tenho esperado para fazer toda a minha vida.

É um tipo de culminação musical, refletindo uma ampla gama de expressões que me interessaram ao longo dos anos, escaladas em uma tela grande, apresentada de uma maneira que oferece o tipo de oportunidades de comunicação que só podem ser obtidas com um grupo de músicos que passaram centenas de noites juntos ensaiando.

Acrescente a isso o desafio de todas as novas músicas e a resposta espontânea gerada, canalizando tudo através do prisma da orquestração em larga escala e, inesperadamente, From This Place se torna algo que retrata muitas das minhas aspirações centrais como músico.

Ao longo de vários anos que antecederam esse projeto, levei o quarteto principal ao centro dessa gravação para todo o lugar do mundo. Até então, praticamente todas as turnês que eu havia feito estavam centradas em novas músicas de qualquer disco que estivesse atual naquele momento, com algumas peças de épocas anteriores espalhadas pelo caminho.

À época, eu estava com centenas de composições e nunca havia realmente parado para olhar para trás.

A ideia de reunir um grupo único de músicos extremamente talentosos, cada um com seu próprio relacionamento com a minha área de trabalho, me atraiu, particularmente a ideia de identificar e apresentar as músicas que poderiam ser maleáveis o suficiente em suas mãos para serem visitadas novamente. como plataforma de lançamento para nossas habilidades e interesses coletivos como improvisadores.

Com meu colaborador de longa data na bateria, o brilhante Antonio Sanchez, o emocionante pianista Gwilym Simcock, acompanhado por Linda May Han Oh, uma das mais importantes novas musicistas da cena de Nova York nos últimos anos, um grupo formidável de músicos.

O que deveria ser uma turnê relativamente curta continuava sendo ampliada pela demanda popular, eventualmente se transformando em vários anos de apresentações em todo o mundo – enquanto se tornava um dos grupos mais divertidos e satisfatórios que já tive no palco comigo.

Paralelamente e no meio de tudo isso, também fiz várias turnês em dueto com um dos meus maiores heróis da vida, o baixista Ron Carter.

Além da emoção de estar no palco com o Sr. Carter noite após noite, os rigores das turnês também nos deram muito tempo de viagem juntos. Durante aquelas horas gastas em carros e aviões ao redor do mundo, pude fazer a Ron todas as dezenas de perguntas que eu, como um de seus maiores fãs, sempre quis fazer.

No topo da minha lista sempre esteve durante seus últimos anos no Miles Davis Quintet, indiscutivelmente a banda mais influente da última metade do século 20.

Por que essas músicas, em vez das novas músicas que estavam gravando?

O Sr. Carter me explicou que Miles tinha uma filosofia que ele aplicava àquela formação em particular. Ele queria que a banda desenvolvesse um código tocando a música familiar noite após noite juntos, que depois poderia ser aplicada à criação de uma nova maneira de tocar juntos no estúdio. Uma linguagem comum que combinaria a familiaridade que os jogadores tinham uns com os outros ao tocar aquelas músicas mais antigas com a frescura do que novas composições poderiam oferecer no estúdio, criando o melhor dos dois mundos.

Uma luz se acendeu sobre minha cabeça.

Eu estava querendo gravar com essa nova banda, mas fiz tantos discos de quarteto de guitarra / piano / baixo / bateria ao longo do caminho que me vi procurando um cenário para ver o que eu poderia fazer com esse grupo que poderia ser diferente.

Então, por que não escrever um monte de músicas novas para serem apresentadas pela primeira vez no estúdio para essa banda que eu conhecia tão bem? Sem ensaios. Vamos entrar com uma pilha de músicas que eu comporia apenas para essa equipe – um livro totalmente diferente do que estávamos tocando ao vivo – e ver o que acontece. A abordagem do quinteto de Miles.

Com esse objetivo em mente, durante um período relativamente curto, escrevi 16 novas peças, marquei uma data para a gravação e garanti que tivéssemos tempo suficiente no estúdio para mergulhar no que esse material pudesse oferecer. Pouco antes das sessões, havia algumas peças que eu entendi que poderiam se beneficiar, reunindo algumas informações de Gwilym e Linda para tirar proveito de seus dons específicos no contexto do que eu imaginava que essas peças poderiam estar sugerindo. E eu sabia por experiência própria que tudo o que eu desse a Antonio seria reinventado no local por meio de sua musicalidade insuperável. (Além de ser um dos maiores bateristas de sua geração, ele também tem a capacidade única de fazer as coisas acontecerem em um estúdio de gravação que o coloca no grupo de elite de músicos que realmente podem ver o próprio estúdio como uma extensão de seu instrumento. .)

Quando começamos o primeiro dia de gravação, tive outra ideia.

Enquanto tocávamos, comecei a ouvir coisas na minha cabeça que ainda não estavam na partitura.

Entendi rapidamente que essas músicas exigiam orquestração, expansão e cor.

De alguma forma, enquanto escrevia, tive a sensação de que a natureza do que estava trabalhando para as próximas sessões continha uma visão mais ampla de algo, mas não consegui identificá-lo até que começássemos a gravar.

Imediatamente, comecei a alterar a música para permitir isso, para abrir espaço para essa outra camada que eu estava imaginando, incentivando todos a deixarem espaço para que outros detalhes ainda não definidos emergissem. O que começou como uma visão distante subitamente se transformou em um aspecto central do que torna esse registro diferente de qualquer outro que eu já fiz.

Por mais que as pessoas possam descrever a linguagem sonora do movimento de vanguarda dos anos sessenta como caindo em um som genérico identificável, sempre considerei a expansão geral da criatividade daquela época de uma maneira mais ecumênica.

As mudanças estilísticas que ocorreram em nossa comunidade incluíram não apenas os exemplos óbvios de músicos individualmente utilizando técnicas inovadoras em seus instrumentos de novas maneiras ou novos tipos de conjuntos, mas também as novas abordagens que a tecnologia, tecnologia de gravação específica, ofereceu.

A gravação de várias faixas permitiu que tipos de música inteiramente novos fossem feitos.

É improvável que as gravações da gravadora CTI daquela época provavelmente nunca sejam vistas como “vanguardistas” pelos críticos de jazz da variedade de jardins daquela época (ou provavelmente de qualquer outra). Mas do meu lugar como jovem fã, a ideia de um arranjador excelente e experiente como Don Sebesky, pegando o material improvisado de grandes músicos como Herbie Hancock e Ron Carter e tecendo suas falas e vozes em uma orquestração subsequente, não era apenas um novo tipo de arranjo. ; resultou em um tipo diferente de som e música.

Era uma maneira de apresentar a música que representava os impulsos dos músicos e improvisadores em questão através da orquestração de uma maneira totalmente nova. Eu amei esses discos.

Esta não será a primeira gravação minha onde a equação – primeiro, orquestrar depois – surgiu. Mas é de longe o mais extenso, e eu ofereceria o mais orgânico. Desde as primeiras notas que gravamos, esse era o destino que eu tinha em mente.

Para ajudar no próximo estágio, trouxe dois dos meus músicos favoritos e dois dos arranjos mais distintos e avançados da cena hoje; o magnífico Alan Broadbent e o infinitamente inventivo Gil Goldstein. Tendo trabalhado com os dois antes, eu sabia que ambos eram exatamente adequados para o que essa música estava pedindo.

Dividi as faixas entre os dois com base no material que eu achava que eles seriam mais inspirados e dei a cada um deles algumas instruções sobre quando e onde eu estava ouvindo as coisas. Em pouco tempo, ambos produziram gráficos brilhantes que aprimoraram e coloriram o que eu havia composto, enquanto referenciavam as próprias apresentações nas faixas que foram designadas. (Salvando pelo menos uma música e partes de algumas outras também.)

Foi emocionante ouvir suas músicas e se maravilhar com os ângulos e dimensões que ambos foram capazes de descobrir.

De alguma forma, havia uma referência à pontuação dos filmes e à música americana em geral, logo abaixo da superfície o tempo todo. Embora seja certamente possível ir ao leste europeu para gravar música orquestral (como é o caso hoje em dia por razões orçamentárias), senti que a essência dessa música era de natureza tão americana que, se fosse de algum modo possível, precisava ser feito aqui nos Estados Unidos – e em Los Angeles em particular.

Existe uma certa qualidade de intensidade rítmica, bem como excelência geral, produzida pelos melhores músicos de estúdio de pontuação de filmes que eu nunca ouvi em nenhum outro lugar.

Graças aos esforços do excelente maestro Joel McNeely e seus associados, um cenário em que pudemos não apenas levar os melhores músicos de Los Angeles para atuar sob a liderança exemplar de Joel, mas também gravar tudo em um dos melhores palcos sonoros revelados. Conseguimos alcançar exatamente o som que eu esperava que pudéssemos alcançar.

Com as partes da orquestra gravadas, ficou claro para mim que alguns convidados importantes eram obrigados a terminar. Luis Conte é conhecido como o melhor percussionista de estúdio do mundo por artistas de todo o espectro estilístico por uma razão – tudo o que ele faz se encaixa de uma maneira que você não pode imaginar como a faixa poderia ter soado sem ele. Gregoire Maret fez parte de uma das minhas bandas anteriores no início de sua carreira e se tornou o tocador de gaita mais procurado na música hoje. Ambos fizeram contribuições fantásticas.

Em 8 de novembro de 2016, nosso país vergonhosamente revelou um lado de si mesmo para o mundo que estava escondido na maior parte da sua história recente. Eu escrevi a peça From This Place nas primeiras horas da manhã do dia seguinte, quando os resultados das eleições se tornaram tristemente evidentes.

Havia apenas um músico que eu podia imaginar cantando, e era Meshell Ndegeocello, um dos grandes artistas do nosso tempo. Com as palavras de sua parceira Alison Riley, eles capturaram exatamente a sensação daquele momento trágico, reafirmando a esperança de dias melhores pela frente.

Dito isto, ao abordar 50 anos de gravação e apresentação, enquanto lembro todas as músicas em que estive envolvido, tenho dificuldade em recordar imediatamente em retrospecto o clima político da época em que a maior parte foi gravada. E se eu puder, as memórias desses detalhes parecem quase irrelevantes para a própria música.

A moeda em que me foi concedido o privilégio de negociar ao longo desses anos atribui seu valor primário à natureza atemporal e transcendente do que faz a música.

A música se revela continuamente fundamental e um tanto estranhamente impermeável aos altos e baixos dos detalhes transitórios que podem até ter desempenhado um papel importante em seu nascimento. A música mantém sua natureza e espírito, mesmo quando a cultura que a forma desaparece, assim como a sujeira que cria a pressão em torno de um diamante é esquecida há muito tempo, à medida que o diamante brilha.

Espero que esse registro possa servir de testemunho de minha contínua aspiração de honrar esses valores.

– Pat Metheny